Mit Décorps führt Valentina Pini ihre Auseinandersetzung mit dem Körper als Fragment und Vorstellung konsequent weiter. Bereits im Titel steckt die Idee der Ausstellung: eine Verbindung von décor (Dekor) und corps (Körper). Daraus entsteht ein Spannungsfeld, in dem Dekoration zur Spur des Körpers wird – während der Körper selbst zunehmend als Konstruktion erscheint.
Die Arbeiten bewegen sich zwischen Objekt und Inszenierung. Metall, Epoxidharz und skulpturale Fragmente wirken wie Relikte einer Bühne, auf der der Mensch selbst abwesend bleibt. In der Serie Autour du cou à la hauteur des yeux, leicht über Augenhöhe installiert, entsteht genau dieser Eindruck: Ketten, Krägen und ornamentale Elemente definieren eine Form, die an einen Körper erinnert – ohne dass dieser tatsächlich vorhanden ist.
Besonders prägnant zeigt sich dieses Prinzip in der Skulptur Amplification. Zwei Epauletten auf Metallschienen genügen, um Autorität und Hierarchie anzudeuten. Die Symbolik bleibt lesbar, doch der Körper, der sie tragen würde, fehlt. Es entsteht eine fast theatrale Leerstelle.
Auch in der fotografischen Serie Displaced Fractures verschiebt Pini den Blick. Statt auf die monumentalen Skulpturen von Vincenzo Vela richtet sie die Aufmerksamkeit auf deren fragile Details – Risse, Verbindungen, Trägerstrukturen. Was sichtbar wird, ist nicht das Bild selbst, sondern seine Konstruktion.
Eine weitere Ebene bringen die Reliefs aus ihrer Residency in der Bogliasco Foundation ein. Pflanzliche Elemente, Fundstücke und persönliche Objekte verbinden sich zu Kompositionen, die zwischen Archiv, Bühne und Experiment oszillieren. Die Materialien wirken, als befänden sie sich in einem Prozess der Verwandlung – eher alchemistisch als naturalistisch.
Décorps bewegt sich bewusst zwischen Material und Bild, zwischen Präsenz und Abwesenheit. Der Körper wird nicht gezeigt, sondern angedeutet, zerlegt und neu gedacht. Für die Betrachter:innen entsteht ein offenes Geflecht von Hinweisen – und die Einladung, den eigenen Blick neu zu justieren.
Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari Valentina Pini: Décorps – Eröffnung in der Galerie Lullin + Ferrari
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Mit der Ausstellung von Kerry James Marshall setzt das Kunsthaus Zürich erneut ein starkes Zeichen. Wer die Preview und Vernissage am 26. Februar 2026 besucht hat, spürte sofort: Hier geht es nicht um eine gewöhnliche Ausstellung, sondern um ein kuratorisches Statement von außergewöhnlicher Qualität.
Schon beim ersten Rundgang beeindruckt die monumentale Größe der Arbeiten. Diese Bilder hängen nicht einfach an der Wand – sie behaupten Raum. Sie stehen selbstbewusst im Raum, fordern Aufmerksamkeit und lassen den Betrachter nicht in Distanz verharren. Man tritt näher, geht wieder zurück, entdeckt neue Ebenen.
Marshall arbeitet mit einer Farbigkeit, die kraftvoll und präzise zugleich wirkt. Die Töne sind bewusst gesetzt, intensiv, manchmal fast ikonisch. Doch die visuelle Wucht ist nur der Einstieg. Je länger man sich mit einem einzelnen Werk beschäftigt, desto deutlicher wird: In jedem Bild steckt eine Vielzahl an Ideen, Referenzen und erzählerischen Schichten.
Es sind Werke, die Zeit verlangen – und diese Zeit auch belohnen. Man könnte sich mit jedem einzelnen Bild über Stunden auseinandersetzen. Details offenbaren sich erst beim zweiten oder dritten Blick. Kompositorische Entscheidungen, kunsthistorische Bezüge, subtile Hinweise auf gesellschaftliche Themen – alles ist durchdacht, nichts zufällig.
Was mich besonders beeindruckt hat, ist diese Verbindung aus inhaltlicher Tiefe und formaler Souveränität. Die Bilder sind komplex, aber nie überladen. Monumental, aber nie dekorativ. Sie besitzen eine Selbstverständlichkeit, die nur große künstlerische Positionen erreichen.
Eine Vernissage mit spürbarer Intensität
Die Vernissage war außergewöhnlich gut besucht – ein sehr interessiertes Publikum: anspruchsvolle Kunstfreunde, Sammler, Kenner, Journalisten und geladene Gäste sowie der Künstler selbst. Die einzigartigen Werke sorgten für Gesprächsstoff.
Es lag eine spürbare Energie in den Räumen. Kein oberflächliches Event-Flair, sondern echte Auseinandersetzung. Man sah Menschen lange vor einzelnen Werken stehen, diskutierend, vergleichend, nachdenklich.
Das Kunsthaus Zürich hat hier einmal mehr bewiesen, dass es Ausstellungen auf höchstem internationalen Niveau realisieren kann. Die Präsentation ist klar, großzügig und präzise inszeniert. Die Werke erhalten den Raum, den sie benötigen – physisch wie atmosphärisch.
Einmaligkeit und Relevanz
Diese Ausstellung ist in ihrer Dichte und Qualität außergewöhnlich. Die gezeigten Werke wirken nicht austauschbar oder repräsentativ im üblichen Sinne – sie sind eigenständig, kraftvoll, singulär.
Gerade in einer Zeit, in der Bilder allgegenwärtig und schnell konsumierbar sind, entsteht hier das Gegenteil: eine Einladung zur Verlangsamung. Zur konzentrierten Betrachtung. Zur gedanklichen Vertiefung.
Für mich persönlich war diese Ausstellung eine der eindrücklichsten Präsentationen der letzten Zeit. Monumental in ihrer physischen Erscheinung – und ebenso monumental in ihrer gedanklichen Tiefe.
Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich Preview und Vernissage Kerry James Marshall im Kunsthaus Zürich
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Bei der Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg wird der Geist einer Stadt spürbar, die sich permanent verändert. Die Künstler Lorenz Bachofner Bošković und Vincent Scarth arbeiten gewissermassen «Schulter an Schulter» und stehen in einem kontinuierlichen, offenen Austausch über Unsicherheiten, Dilemmata, Fragen und Entscheidungen innerhalb ihrer künstlerischen Praxis.
Entstanden sind lebendige und zugleich feinfühlige Collagen des Alltags, in denen Grosses und Kleines – im wörtlichen wie im übertragenen Sinn – ineinanderfliessen. Was aus persönlichen Erfahrungen, Träumen und Vorstellungen hervorgeht, wirkt auf den ersten Blick beinahe ruhig und zurückhaltend. Doch die Bildwelten sind präzise komponiert, klug verdichtet und von bemerkenswerter Schärfe. Sie lesen sich wie ein sensibles Protokoll einer Zeit, die von Orientierungslosigkeit geprägt ist.
Die Leinwände zeigen Szenen des täglichen Lebens: einzelne Passanten, Innenhöfe, urbane Details, Krähen über Bahngleisen. Jedes Motiv ist ein Fragment von Gegenwart – aufmerksam beobachtet, ohne Sentimentalität, aber mit Empathie für das oft Übersehene.
Die Arbeiten dieser jungen Künstler stehen in Resonanz mit dem Vermächtnis von Albert Rüegg. Während er die Spannungen einer Nachkriegsstadt erfasste, richten sich die aktuellen Werke auf heutige Transformationsprozesse: Entfremdung, Veränderungen sozialer Interaktion und die Fragilität gemeinsamer Räume.
„Oh lueg, en Wolf“ ist eine konzentrierte Beobachtung unserer Umgebung – von Menschen, Tieren, Architektur und Zwischenräumen. Ohne Pathos, ohne programmatische Statements. Stattdessen ein klarer, präziser Blick, der dazu einlädt, die Details des zeitgenössischen urbanen Lebens neu wahrzunehmen.
„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg„Oh lueg, en Wolf“ – Eröffnung der Ausstellung der Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Die Ausstellung Chūshō Tōsa in der Anthracite Gallery untersucht zeitgenössische japanische abstrakte Kunst aus der Perspektive von Materialprozess und räumlichem Bewusstsein. Kuratiert von Ebba Wallmén in Zusammenarbeit mit Jesper Dahl und Jens Petersen versteht sich das Projekt nicht als klassische Überblicksschau, sondern als feldorientierte Untersuchung – als eine Entwicklungslinie, die aus einer Atelier-Reise durch Japan im vergangenen Sommer, aus materiellen Experimenten und einer ortsspezifischen Präsentation hervorgegangen ist.
Die Ausstellung vereint Werke einer geografisch wie materiell vielfältigen Gruppe von Künstlerinnen und Künstlern, deren Praxis Malerei, Keramik, Textil, Skulptur und Zeichnung umfasst. In allen Positionen entsteht Abstraktion nicht aus formaler Doktrin, sondern aus physischer Auseinandersetzung. Leinwände aus kultivierten Fasern rücken Wachstum, Verdichtung und strukturelle Unregelmässigkeit als wesentliche Bestandteile des Bildfeldes ins Zentrum. Malerei wird nicht auf einen neutralen Bildträger aufgetragen; sie tritt in Beziehung zu einer Oberfläche, die bereits eigene Zeitlichkeit und Widerständigkeit in sich trägt.
Keramische Arbeiten führen diese Untersuchung von Volumen und Gewicht fort. Pigment und Glasur verbergen den Tonkörper nicht, sondern betonen dessen Masse und taktile Qualität. Der Dialog zwischen Oberfläche und Struktur verschiebt die Grenze zwischen Bild und Objekt und begreift Abstraktion als räumlichen Zustand statt als rein optisches Phänomen.
In der gesamten Ausstellung entzieht sich die Komposition festen Zentren. Farbschichten wirken als autonome Zonen, verschieben visuelle Gewichte und aktivieren den umgebenden Raum. Transparenz, Opazität und Intervalle fungieren als strukturelle Mittel. Die Werke entwickeln keine narrativen Abfolgen; vielmehr formulieren sie Beziehungen – zwischen Faser und Pigment, Ton und Temperatur, Geste und Dauer.
Innerhalb der industriellen Architektur der Anthracite Gallery tritt die Materialität der Arbeiten besonders deutlich hervor. Betonoberflächen und offene Raumstrukturen verstärken die physische Präsenz der Werke und laden zu einer konzentrierten, andauernden Betrachtung ein.
Chūshō Tōsa positioniert die japanische Abstraktion als fortlaufenden Aushandlungsprozess – zwischen materieller Autonomie und künstlerischer Intention, zwischen Oberfläche und Tiefe, zwischen Ruhe und Bewegung.
Chūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite GalleryChūshō Tōsa (抽象踏查) A Field Survey of Japanese Abstract Art 18 February – 30 May Anthracite Gallery
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Bereits die Preview zur Ausstellung Alchemy machte deutlich: Diese Bilder lassen niemanden unberührt. Die Vernissage in der Pascal Robert Gallery war wie bereits die Preview ein voller Erfolg – und von einer spürbaren Begeisterung getragen. Besucherinnen und Besucher verweilten lange vor den Werken, tauschten Eindrücke aus, kehrten zurück, entdeckten Neues. Ein Abend, der zeigte, wie kraftvoll abstrakte Malerei wirken kann, wenn sie Raum bekommt.
Farbe, Bewegung, Energie
Die grossformatigen Arbeiten von Britt Boutros-Ghali entfalten eine aussergewöhnliche Lebendigkeit. Farben scheinen sich über die Leinwand zu bewegen, zu fliessen, sich zu verdichten und wieder aufzulösen. Nichts wirkt statisch. Die Bilder ziehen den Blick an – und halten ihn fest. Je länger man sich ihnen widmet, desto mehr Details treten hervor: Andeutungen von Gesichtern, fragmentarische Figuren, organische Formen, die sich der eindeutigen Lesbarkeit entziehen und gerade dadurch die Fantasie anregen.
Jedes Werk eröffnet einen eigenen Kosmos. Die Farbigkeit variiert stark, von leuchtend warmen Tönen bis zu dunkleren, tiefgründigen Kompositionen. Gemeinsam ist ihnen eine innere Dynamik, die an Action Painting erinnert, ohne sich darin zu erschöpfen. Die Malerei bleibt offen, atmend, in Bewegung.
Ein Raum, der trägt
Eine besondere Qualität der Ausstellung liegt auch in der Präsentation. Die Werke sind in der Galerie so gesetzt, dass sie einzeln wirken können – was angesichts ihrer Intensität keine Selbstverständlichkeit ist. Jedes Bild behauptet sich für sich, ohne dem nächsten die Aufmerksamkeit zu nehmen. Gerade dadurch entsteht eine konzentrierte, fast meditative Atmosphäre.
Der Galerist Pascal Henry Robert nahm sich viel Zeit für Gespräche. Mit grosser Offenheit und spürbarer Begeisterung vermittelte er Hintergründe zu den Arbeiten, zur Künstlerin und zu den einzelnen Werken. Diese persönliche Vermittlung vertiefte den Zugang und machte den Abend zu einem echten Austausch – nicht nur über Kunst, sondern über Wahrnehmung, Emotion und Intuition.
Malerei als Erfahrung
Alchemy zeigt eindrücklich, dass abstrakte Malerei weit mehr sein kann als reine Form oder Farbe. Die Werke von Britt Boutros-Ghali laden dazu ein, sich einzulassen, genau hinzusehen und immer wieder neue Ebenen zu entdecken. Sie wirken nicht erklärend, sondern öffnend – und genau darin liegt ihre Stärke.
Eine Ausstellung, die man nicht einfach betrachtet, sondern erlebt.
Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy Pascal Robert Gallery Britt Boutros-Ghali Alchemy
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Das Haus Konstruktiv eröffnete das Jahr mit einer Einzelausstellung von Richard Paul Lohse (1902–1988), einem der bedeutendsten Schweizer Künstler und Theoretiker der konstruktiv-konkreten Kunst. Über fünfzig Werke veranschaulichen seinen berühmten systematischen Ansatz: Kompositionen, die strenger Logik folgen, Farben und Formen als grundsätzlich gleichwertige Elemente und eine Bildfläche, die sich in eine rhythmische, beinahe musikalische Struktur verwandelt, in der jedes Element sowohl mit dem Raum als auch mit den Betrachtenden in Beziehung tritt.
Bereits in den 1940er-Jahren entwickelte Lohse seine eigene Bildsprache – lange bevor konzeptuelle und minimalistische Strömungen in den folgenden Jahrzehnten an Bedeutung gewannen. Seine Malerei basierte auf Zahlensystemen, Konstruktionsschemata und Farbtabellen. Hinter dieser Rationalität stand jedoch stets eine klare gesellschaftliche Haltung. Das Prinzip der quantitativen Gleichwertigkeit der Farben war für Lohse ein politisches Statement – ein visuelles Pendant zu einer Gesellschaft ohne Privilegien, in der kein Element eine hierarchische Überlegenheit besitzt.
Zentrum der Ausstellung ist das Triptychon Serielles Reihenthema in achtzehn Farben (A, B, C) mit einer Gesamtlänge von beinahe sechs Metern. 108 gleich große Quadrate sind in sechs Reihen angeordnet, 18 Farben in identischen Anteilen verteilt. Dieses strenge Gleichgewicht verwandelt Abstraktion in eine politische Metapher: Die Struktur existiert als System des Zusammenlebens und entfaltet ihre Wirkung durch die Bewegung der Betrachtenden sowie durch die räumliche Dynamik der Ausstellung.
Die Ausstellung ist vom 5. Februar bis zum 10. Mai 2026 im Museum Haus Konstruktiv in Zürich zu sehen. Sie zeigt Richard Paul Lohse als einen Künstler, für den Malerei zu einer Form sozialen Denkens wird – zurückhaltend, präzise und radikal in ihrem Glauben an Gleichheit als ordnendes Prinzip der Welt.
Richard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv ZürichRichard Paul Lohse Vernissage Museum Haus Konstruktiv Zürich
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Die Vernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye Galerie an der Dufourstrasse war ausserordentlich gut besucht. Bereits früh füllten sich die Räume, und schnell wurde spürbar, dass es sich um einen besonderen Abend handelte: konzentriert, neugierig, offen für Austausch. Die Gäste nahmen sich Zeit – für die Werke, für Gespräche und für unterschiedliche Lesarten dessen, was Fotografie heute sein kann.
Couturier war anwesend und suchte immer wieder das Gespräch. Viele Besucher:innen nutzten die Gelegenheit, direkt mit ihm über seine Arbeitsweise, über Architektur und über die komplexen Bildräume zu sprechen, die seine Arbeiten eröffnen. Auch Galerist Christophe Guye zeigte sich sichtlich bewegt von der durchgehend positiven Resonanz – die Vernissage war ohne Zweifel ein grosser Erfolg.
Architektur nicht abbilden, sondern neu denken
Die Ausstellung vereint zwei zentrale Werkgruppen aus Couturiers Schaffen. Im Mittelpunkt steht die Serie E1027+123, entstanden in der berühmten Villa E-1027 von Eileen Gray an der Côte d’Azur. Couturier interessiert sich dabei nicht für Architektur als Ikone oder historisches Dokument. Ihn fasziniert vielmehr das Zusammenspiel von Raum, Geschichte, Material und Perspektive.
In der Villa überlagern sich Grays radikal moderne Raumkonzepte mit späteren, lange kontrovers diskutierten Eingriffen von Le Corbusier. Genau diese Schichtung greift Couturier auf. Seine Fotografien entstehen aus mehreren Ansichten desselben Ortes, die digital miteinander verschoben, überlagert und verdichtet werden. Das Resultat sind Bildräume, die sich nicht sofort erschliessen: fragmentiert, rhythmisch, präzise komponiert – irgendwo zwischen fotografischer Genauigkeit und malerischer Abstraktion.
Man bleibt stehen, geht näher heran, tritt zurück. Die Bilder verlangen Aufmerksamkeit und belohnen sie mit immer neuen Details.
Fotografie wird körperlich
Ein besonderer Akzent der Ausstellung ist eine übergrosse Tapisserie-Arbeit, die Couturiers Bildsprache in ein textiles Medium übersetzt. Hier wird seine Arbeitsweise physisch erfahrbar: Flächen, Überlagerungen und Farbfelder erhalten eine neue Präsenz, fast eine eigene Körperlichkeit. Fotografie verlässt den klassischen Bildträger und öffnet sich in den Raum.
Dieser Schritt ist kein Experiment, sondern Teil einer konsequenten Entwicklung. Seit einigen Jahren verbindet Couturier Fotografie und Textil und erweitert sein Werk um zeitgenössische Tapisserien – ein Ansatz, der auch international grosse Beachtung findet.
Zürich als weiterer Bildraum
Ergänzt wird die Ausstellung durch neue Arbeiten zum Le Corbusier Pavillon in Zürich, die Couturier exklusiv für diese Präsentation realisiert hat. Auch hier interessiert ihn weniger das Gebäude als solches, sondern dessen innere Logik: Materialität, Rhythmus, Struktur. Durch Verdichtung und Überlagerung transformiert er den Pavillon in abstrakte Bildräume, die sich einer eindeutigen räumlichen Lesbarkeit entziehen und stattdessen eine intensive visuelle Erfahrung erzeugen.
Ein Abend voller Austausch
Was die Vernissage besonders machte, war die Atmosphäre: aufmerksam, lebendig, dialogisch. Die Arbeiten boten reichlich Gesprächsstoff, und immer wieder entwickelten sich Diskussionen über Architektur, Fotografie und Wahrnehmung. Man spürte deutlich, wie sehr Couturiers Werke Menschen mit ganz unterschiedlichen Hintergründen ansprechen – nicht erklärend, sondern fordernd und offen.
Die Ausstellung ist vom 29. Januar bis 21. März 2026 in der Christophe Guye Galerie in Zürich zu sehen. Ein Besuch lohnt sich – für alle, die Fotografie nicht als Abbild, sondern als Denk- und Erfahrungsraum erleben möchten.
Vernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieRonald Wissler (Artcircle.ch) und Stéphane Couturier (Künstler) in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye GalerieVernissage zur Ausstellung von Stéphane Couturier in der Christophe Guye Galerie
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Die Vernissage zur Ausstellung narratief bei der Galerie Urs Meile an der Rämistrasse war aussergewöhnlich lebendig. Nicht durch Lautstärke oder Inszenierung, sondern durch eine spürbare Offenheit im Raum. Die beiden Künstler Pascale Wiedemann und Daniel Mettler waren anwesend, suchten aktiv das Gespräch und nahmen sich Zeit für den Austausch mit den Besucher:innen. Genau diese unmittelbare Nähe prägte den Abend.
Viele der Gäste bewegten sich aufmerksam durch die Ausstellung, verweilten lange, kehrten zurück und diskutierten Eindrücke. Die Atmosphäre war ruhig, konzentriert und zugleich sehr kommunikativ – ein Dialog nicht nur zwischen den Werken, sondern auch zwischen Künstler:innen und Publikum.
Erzählen ohne Zielpunkt
Der Titel narratief – bewusst falsch geschrieben – verweist auf Erzählen als offenen Prozess. Die Ausstellung bietet keine linearen Geschichten und keine eindeutigen Deutungen. Stattdessen entstehen Situationen, Fragmente und Stimmungen, die sich erst im eigenen Erleben zusammensetzen. Es sind Bilder, die nicht festlegen, sondern andeuten.
Diese Offenheit zieht sich durch die gesamte Ausstellung. Sie lädt zum Innehalten ein, zum langsamen Sehen – und dazu, den eigenen Gedanken Raum zu geben.
Samt als Raum und Körper
Besonders eindrücklich sind die Samtarbeiten von Pascale Wiedemann. Ihre stark volumigen, raumgreifenden Werke beanspruchen den Raum körperlich. Der Samt absorbiert Licht, wirkt warm, weich und beinahe schützend. Gleichzeitig brechen gezielte Bleichungen die Oberfläche auf: Formen erscheinen wie Abdrücke, Nachbilder oder Spuren von etwas Vergangenem.
Diese Arbeiten schaffen Innenräume, die weniger architektonisch als emotional erfahrbar sind. Sie sprechen den Körper an, nicht nur den Blick. Die Nähe, die sie erzeugen, ist unmittelbar – man steht ihnen nicht gegenüber, sondern befindet sich fast in ihnen. Für mich gehörten diese Arbeiten zu den stärksten Momenten der Ausstellung.
Fotografische Schwellenräume
Dem gegenüber stehen die konstruieren Fotografien von Daniel Mettler. Sie wirken kühler, distanzierter und erschliessen sich über den Blick. Gezeigt werden Übergänge, Korridore, Ecken – Räume, die nicht eindeutig sind. Es sind Orte kurz vor oder nach einem Ereignis, festgehaltene Momente, die sich einer klaren Einordnung entziehen.
Diese Fotografien funktionieren wie Schwellen: Man benötigt einen Moment, um sich zu orientieren, Tiefe und Ausrichtung zu erfassen und die darin vermittelte Körperlichkeit wahrzunehmen. Realität und Imagination beginnen dabei zu verschmelzen.
Zwei Positionen, ein Dialog
Was narratief besonders macht, ist das Zusammenspiel dieser beiden Werkgruppen. Samt und Fotografie, Nähe und Distanz, Körper und Blick – zwei unterschiedliche Zugänge zu Innenräumen, die sich nicht widersprechen, sondern gegenseitig ergänzen.
Wiedemann/Mettler arbeiten seit vielen Jahren als Duo. Ihr gemeinsamer Prozess basiert auf Reaktion, Übersetzung und wechselseitiger Beeinflussung. Diese dialogische Haltung ist in der Ausstellung deutlich spürbar: Die Werke sprechen miteinander, ohne sich zu erklären oder festzuschreiben.
Die Vernissage machte genau das erfahrbar: eine Ausstellung, die nicht laut sein muss, um präsent zu sein – und die durch Aufmerksamkeit, Austausch und Zeit wirkt.
Die Ausstellung ist noch bis 21. März 2026 in der Galerie Urs Meile in Zürich zu sehen. Vor allem die Samtarbeiten von Pascale Wiedemann zeigen, wie sehr Material und Raum das Erleben prägen – eine Wirkung, die sich nur im Original voll entfaltet.
Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief vGalerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief Galerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratiefGalerie Urs Meile Wiedemann/Mettler narratief
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Mit der gemeinsamen Vernissage von Kentaro Kawabata – By Heart und Jack Warne – where love appears eröffnete die Galerie Mai 36 am 22. Januar 2026 zwei Ausstellungen, die sich über alle drei Ebenen der Galerie erstrecken. Der Abend war geprägt von einer offenen, kommunikativen Atmosphäre und einem Publikum, das sich sichtbar auf die Kunst und die unterschiedlichen künstlerischen Positionen einliess.
Die Werke beider Künstler boten reichlich Gesprächsstoff. Zwischen Erd- und Obergeschoss entstand ein lebendiger Austausch – weniger erklärend, mehr wahrnehmend. Die Kunst wurde nicht konsumiert, sondern diskutiert, hinterfragt und erlebt.
Jack Warne – Malerei als Erfahrungsraum
Im Erdgeschoss zeigt Jack Warne mit where love appears seine erste Einzelausstellung bei der Galerie Mai 36. Warne versteht Malerei nicht als isoliertes Objekt, sondern als Teil eines grösseren Gefüges aus Bildern, Klängen und digitalen Schnittstellen. Seine Arbeiten verschieben den Fokus weg vom einzelnen Werk hin zu einem Wahrnehmungsfeld, das sich erst im Zusammenspiel entfaltet.
Ausgangspunkt ist eine zeitgenössische Neuinterpretation der Romantik. Während sich Künstler des 19. Jahrhunderts der Landschaft als Gegenentwurf zur Industrialisierung zuwandten, sucht Warne heute bewusst Orte jenseits permanenter Vernetzung und algorithmischer Optimierung. Sein Rückzug von London an die Küsten und ländlichen Regionen Grossbritanniens ist weniger nostalgisch als suchend: eine Bewegung weg vom permanenten „Online-Sein“ hin zu körperlicher, sinnlicher Erfahrung.
Diese Perspektive gewinnt zusätzliche Tiefe durch Warnes eigene Biografie. Eine seltene Augenerkrankung verändert sein Sehen zunehmend – und verschiebt damit den Stellenwert des Visuellen. Berührung, Balance, Raumgefühl und Klang werden zu gleichwertigen Orientierungspunkten. Seine Arbeiten verdichten genau diese Erfahrung: Landschaften und Innenräume erscheinen nicht als Abbilder, sondern als gespeicherte körperliche Begegnungen mit Ort, Licht, Wind und Unsicherheit.
Der Begriff „Love“ im Ausstellungstitel ist dabei nicht romantisch gemeint, sondern bezeichnet das, was sich technischer Übersetzung entzieht: Empathie, Verletzlichkeit, Fürsorge, flüchtige Freude. Warnes Arbeiten entstehen aus einem kontinuierlichen Wechsel zwischen digitalen Dateien, Sound, Augmented Reality und klassischer Malerei. Die Bilder bleiben bewusst offen, fragmentarisch, manchmal irritierend – sie bieten keine schnellen Antworten, sondern schaffen Bedingungen für ein intensives, persönliches Sehen.
Kentaro Kawabata – Skulpturales Wachstum aus dem Inneren
Im Obergeschoss begegnet man den Arbeiten von Kentaro Kawabata, der mit By Heart eine beeindruckende Gruppe skulpturaler Keramiken zeigt. Kawabata arbeitet mit Porzellan, Glaspartikeln, Glasuren und Edelmetallen und entwickelt daraus Formen, die an organische Wachstumsprozesse erinnern.
Zentrales Konzept ist die sogenannte Cristation – ein biologischer Begriff für Wachstumsanomalien, bei denen sich mehrere Wachstumspunkte gleichzeitig in unterschiedliche Richtungen entwickeln. Übertragen auf Kawabatas Arbeiten bedeutet das: Ornament ist nicht Dekoration, sondern Ursprung der Form. Die Skulpturen entstehen nicht mitVerzierungen – sie sind Ornament.
Die Werke wirken zugleich fragil und kraftvoll. Dünn gewalztes Porzellan, Faltungen, Einschlüsse und gezielte Brüche erzeugen Oberflächen, die an Haut, Membranen oder fossile Strukturen erinnern. Trotz ihrer teils irritierenden Erscheinung sind die Arbeiten technisch hochpräzise und überraschend leicht. Serien wie Cristate, Mask oder Calyxverbinden sinnliche, beinahe erotische Formen mit existenziellen Themen wie Wachstum, Zerfall, Leben und Vergänglichkeit.
Ein Dialog, der in Bewegung bleibt
Der Rundgang über die verschiedenen Ebenen der Galerie macht den Dialog zwischen den beiden Positionen besonders erfahrbar. Während Warnes Arbeiten Wahrnehmung als offenen Prozess verhandeln, fordern Kawabatas Skulpturen Erwartungen an Material, Körperlichkeit und Form heraus.
Die Vernissage zeigte eindrucksvoll, wie Kunst Begegnungen ermöglicht – nicht durch Erklärungen, sondern durch Präsenz, Materialität und Atmosphäre. Gespräche entstanden spontan, intensiv und auf Augenhöhe.
Beide Ausstellungen sind noch bis 28. März 2026 in der Galerie Mai 36 in Zürich zu sehen. Ein Besuch lohnt sich – für alle, die einzigartige zeitgenössische Kunst entdecken möchten.
Galerie Mai 36: Kentaro Kawabata und Jack WarneGalerie Mai 36: Jack Warne Galerie Mai 36: Jack WarneGalerie Mai 36Galerie Mai 36Galerie Mai 36: Kentaro KawabataGalerie Mai 36: Kentaro KawabataGalerie Mai 36: Kentaro KawabataGalerie Mai 36
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
Die Ausstellung ANFÄNGE: Anthracite × ZHdK in der Anthracite Gallery richtet den Fokus auf den Moment des Anfangs – auf eine Phase, in der künstlerische Praktiken entstehen und sich durch Experiment, Recherche und Auseinandersetzung kontinuierlich weiterentwickeln.
Gezeigt werden Arbeiten von Bachelor- und Masterstudierenden der Zürcher Hochschule der Künste. Ihre künstlerischen Ansätze sind geprägt von fortlaufender Erkundung sowie einem bewussten Umgang mit Material, Konzept und Form.
Die Ausstellung entfaltet sich als multimediales Feld, in dem Malerei, Keramik, Textil, Video und Audio nebeneinander bestehen. Anstelle einer linearen Erzählung steht die Vielfalt künstlerischer Strategien im Vordergrund – ebenso wie die individuellen Beziehungen der Künstler:innen zu ihren jeweiligen Medien und Materialien.
Der industrielle Ausstellungsraum von Anthracite mit seinen sichtbaren Betonflächen unterstreicht die physische Präsenz der Werke und unterstützt eine direkte Begegnung mit ihren materiellen und räumlichen Qualitäten.
Ein zentraler Aspekt des Projekts ist die Zusammenarbeit zwischen einer Ausbildungsinstitution und einer unabhängigen Galerie. Für die beteiligten Künstler:innen markiert dieser Kontext einen Übergang vom akademischen Umfeld in die Öffentlichkeit – einen Moment, in dem ihre Arbeiten in einen Dialog mit einem breiteren Publikum treten, jenseits interner Kritikformate und institutioneller Rahmen.
ANFÄNGE schafft damit die Voraussetzungen für diese erste öffentliche Begegnung und verortet die Arbeiten in einem professionellen Ausstellungskontext.
ANFAENGE Anthracite x ZHdK Foto: Yulia VirtsANFAENGE Anthracite x ZHdK Foto: Yulia VirtsANFAENGE Anthracite x ZHdK Foto: Yulia VirtsANFAENGE Anthracite x ZHdK Foto: Yulia VirtsANFAENGE Anthracite x ZHdK Foto: Yulia VirtsANFAENGE Anthracite x ZHdK Foto: Yulia VirtsANFAENGE Anthracite x ZHdK Foto: Yulia Virts
Die gezeigten Fotografien entstanden im Rahmen öffentlicher Veranstaltungen. Abgebildete Personen und Kunstwerke dienen ausschliesslich der redaktionellen Berichterstattung über das Ausstellungsgeschehen. Alle Rechte an den gezeigten Werken liegen bei den jeweiligen Künstler:innen und Galerien.
